Texto de presentación :
Mi proyecto, «Manifestaciones de la Conciencia: Diario de un Proceso Creativo», documenta la creación de una obra artística en madera que explora la conexión entre materialidad, espiritualidad y comunidad.
La bitácora servirá como:
Registro del proceso: Desde la selección de materiales (maderas, pigmentos naturales) hasta las etapas de pintura y técnicas mixtas.
Reflexión conceptual: Análisis de cómo el color y la textura (inspirados en la psicología del arte) generan experiencias introspectivas.
Preparación del taller comunitario: Notas sobre dinámicas planeadas para el taller «El Arte como Manifestación de la Conciencia».
Metodología simplificada:
Materiales accesibles: Uso de acrílicos, maderas recicladas y objetos cotidianos para técnicas mixtas.
Registro diario: Fotos del progreso de la obra + anotaciones breves (ej: «Día 3: La veta de la madera guió el trazo intuitivo del pincel, evocando flujos de agua»).
Documentación del taller: Entrevista breve a un participante (ficha incluida) y fotos de las creaciones colectivas.
Para este reto de reinterpretación he elegido la pieza de One and Three Chairs (Una y tres sillas) de Joseph Kosuth
One and Three Chairs (Una y tres sillas)
Joseph Kosuth
Toledo , Ohio, EE.UU., 1945
Fecha: 1965
Técnica descriptiva: Obra formada por una silla de madera, la fotografía de la silla y ampliación fotográfica de la definición de la voz «silla» en el diccionario
Dimensiones: Pieza derecha: 52 x 80 cm / Pieza izquierda: 110 x 60 cm / Pieza central: 81 x 40 x 51 cm
Categoría: Escultura
Año de ingreso: 2000
Descripción de la obra:
Joseph Kosuth hizo One and Three Chairs como su obra de arte conceptual durante 1965. La obra de arte muestra tres componentes que comprenden una silla física, así como su imagen y una letra grande de una entrada de diccionario para «silla». A través de esta estructura de tres partes, el espectador participa en una meditación sobre cómo los objetos se conectan tanto con imágenes visuales como con definiciones lingüísticas. El concepto artístico rechaza las prácticas artísticas convencionales porque enfatiza las ideas sobre los elementos físicos.
Contexto histórico y conceptual:
A través de este trabajo conceptual, el artista reaccionó a la formalización artística mientras luchaba contra la explotación del mercado del arte durante el movimiento de arte conceptual de la década de 1960. Como uno de los principales artistas conceptuales, Kosuth trabajó para eliminar la naturaleza física del arte presentando ideas y sistemas intelectuales en lugar de obras de arte tangibles. A través de Uno y Tres Cátedras, Kosuth investiga el impacto de las representaciones textuales y las visualizaciones de imágenes en la comprensión de la realidad mientras investiga qué constituye el arte y cómo se comporta como comunicación.
Interpretación de la obra:
La atmósfera cultural explosiva de la década de 1960 produjo una y tres sillas como un evento esencial en el desarrollo del arte conceptual. La obra de arte de Kosuth va más allá de los elementos físicos porque selecciona artículos cotidianos (silla junto con fotografía y texto) para construir una pieza que se centre en una idea. A través de esta pieza, el artista investiga tanto los significados artísticos como los poderes del lenguaje y las imágenes para transformar nuestra comprensión de la realidad.
Kosuth describió «el arte como la definición del arte» a través de esta obra de arte que presenta claramente su filosofía artística. A través de su disposición de una silla con foto y texto, Kosuth anima a los espectadores a entender cómo se conectan estos elementos entre sí. El significado singular de esta pieza elude la definición, ya que los espectadores la interpretarán de acuerdo con sus perspectivas individuales.
La estructura conceptual de Una y Tres Sillas sigue siendo la misma en mi adaptación contemporánea, pero introduje modificaciones importantes para adaptarse a las perspectivas modernas. Mi trabajo emplea una imagen digital en mi iPad de la definición textual y histórica de la silla, mientras que la imagen una silla es proyectada en la pared en lugar de la fotografía original. La obra de arte incluirá tres etapas: primero grabare los tres objetos, la silla la proyección y la definición , luego me sentaré en la silla y a través de la lectura de la definición que leeré en el iPad interactuare con el proyecto.
Estas modificaciones introducirán elementos interactivos y cualidades basadas en el tiempo para establecer cómo las implementaciones tecnológicas y las técnicas de rendimiento transforman las ideas abstractas en presentaciones dinámicas. A través de esta nueva interpretación, el proyecto sondeará nuestra relación de la era moderna con los objetos, así como con las imágenes y el lenguaje debido a las herramientas digitales y las plataformas de redes sociales.
Esta sencilla obra de arte titulada One and Three Chairs contiene investigaciones profundas tanto sobre la naturaleza artística como sobre los mecanismos de observación humana. Con el fin de revitalizar el enfoque conceptual de Kosuth, redefiniré la pieza para nuestro moderno mundo virtual tecnológico. A través de este trabajo obtuve un conocimiento más sólido sobre la pieza original y desarrollé una comprensión más profunda de su importancia durante los tiempos actuales.
Bibliografía:
Kosuth, J. (1965). One and Three Chairs [Installation].
Artforum. (n.d.). Art as Idea: Joseph Kosuth and Conceptual Art.
Baigorri Ballarín, L. (s/f). Los inicios del vídeo de creación. Recurso UOC.PID
The Artist is Present mostró a Marina Abramović sentada en silencio en el atrio del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) durante tres meses, mientras que una persona a la vez se sentaba frente a ella para permitir experiencias visuales compartidas. A través de la completa abstención del diálogo y el toque corporal, el espectáculo expuso tanto la esencia de estar presente como las capacidades máximas de comprensión del lenguaje de señas. Durante los encuentros, numerosos participantes sintieron fuertes sentimientos que llevaron a episodios de llanto o a una profunda contemplación.
Motivación para elegir esta performance
Mi selección de esta actuación se origina en su exploración de los lazos humanos espirituales y las experiencias de buceo actuales a través del compromiso facial. La acción de rendimiento directa utilizada por Abramović crea una resonancia emocional abrumadora. La actuación muestra la importancia del contacto visual como un método irred de comprensión entre las personas y esta visión impulsa mi enfoque artístico para estudiar la atención plena mientras exploro las relaciones humanas en sus niveles emocionales y espirituales más profundos.
Análisis del cuerpo, el espacio y la temporalidad
Abramović pone el enfoque esencial en su cuerpo mientras se mantiene inmóvil, lo que desestabiliza las actuaciones comunes que dependen del movimiento como elemento clave. Abramović somete a los visitantes a un espacio de atrio controlado del MoMA mientras redisea continuamente la dinámica artista-audiencia. El tiempo juega un papel crítico porque el rendimiento diario extendido ocurre a lo largo de los meses y crea experiencias de agotamiento físico y mental.
Rol de los objetos y reacción del público
La actuación carece de elementos materiales que Abramović suele utilizar en sus proyectos porque solo el artista y el espectador existen como entidades físicas. Seguir adelante sin influencias externas revela que la relación semiótica entre el intérprete y el espectador se iba fundamentalmente en la comunicación entre los cuerpos y los apegos emocionales del momento. Los miembros de la audiencia demostraron diferentes reacciones emocionales durante el encuentro silencioso porque algunas personas permanecieron tranquilas, pero otras comenzaron a llorar y algunos espectadores se sintieron incómodos debido a la proximidad.
Desde el inicio, con Intersecciones de Identidad, mi intención fue explorar la identidad humana como un concepto fluido y en constante transformación, utilizando elementos visuales y simbólicos como el agua, la luz y el cuerpo. Inspirada por el trabajo de artistas como Bill Viola, buscaba desarrollar un videoarte que no solo capturara el movimiento, sino que también sirviera como un espejo emocional para reflexionar sobre las nociones de memoria, espiritualidad y género.
Cuando trabajé en La Visionaria y La Previsora, imaginaba una obra que combinara técnicas visuales complejas con un fuerte contenido conceptual, creando una experiencia inmersiva que conectara al espectador con su propio proceso de introspección. En mi visión inicial, cada detalle de la instalación—desde la superposición de imágenes hasta el uso de sonidos ambientales—debía transmitir el diálogo entre lo tangible y lo intangible, invitando a una reflexión profunda sobre la conexión entre la identidad y el entorno.
Cambios relevantes durante el proceso
A lo largo del desarrollo, especialmente en La Hacedora, mi proyecto evolucionó significativamente. En un principio, imaginé un enfoque más abstracto y multifacético, pero con el tiempo, simplifiqué los elementos para centrarme en lo esencial. Este cambio no solo fue una decisión práctica debido a los recursos disponibles, sino también un hallazgo conceptual: descubrí que la simplicidad tenía un impacto más directo y significativo.
Por ejemplo, la habitación, que inicialmente concebí como un simple espacio físico, se convirtió en un lugar simbólico que reflejaba la introspección y la intimidad. Las proyecciones de luz y agua, en lugar de ser complementos visuales, adquirieron un protagonismo central, actuando como metáforas poderosas de transformación y espiritualidad. Al final, logré una narrativa visual más clara y coherente, aunque sacrificando algunos elementos experimentales de mi idea original.
Selección de materiales visuales
Para representar el proyecto, he seleccionado los siguientes materiales:
Un video corto que muestra las proyecciones de agua y luz interactuando con los movimientos del cuerpo. Este material captura la esencia del proyecto y su atmósfera introspectiva.
Una fotografía de la instalación completa, destacando la disposición de la habitación y los elementos clave (agua, luz, proyecciones).
Un plano detalle del efecto calidoscópico creado por la luz al atravesar el agua, simbolizando la fluidez de la identidad.
Elegí estos materiales porque representan de manera efectiva los puntos fuertes del proyecto: la conexión entre el concepto y la estética, y la capacidad de la obra para evocar emociones y reflexiones profundas en el espectador.
Revisión crítica del resultado fina
Al analizar Intersecciones de Identidad como si no fuera mi propio trabajo, observo varias virtudes y algunos aspectos que podrían mejorar.
Virtudes:
El uso de la luz y el agua crea una atmósfera hipnótica que invita a la contemplación.
La obra logra transmitir el mensaje de transformación e introspección, y la habitación como escenario añade una capa de intimidad muy efectiva.
La simplicidad del enfoque permite que los elementos esenciales destaquen, facilitando la conexión emocional con el espectador.
Flaquezas:
La narrativa conceptual podría estar más integrada en los elementos visuales y sonoros. Una narración en off o un uso más elaborado de la banda sonora, como señala Andrés Claudio Senra Barja en sus trabajos sobre el sonido en las videoinstalaciones, podría reforzar el mensaje de la obra.
Aunque los efectos visuales funcionan bien, algunas transiciones y superposiciones podrían haberse refinado para crear un impacto aún mayor.
La instalación, aunque efectiva en un espacio íntimo, podría explorarse en un contexto más amplio para alcanzar un público mayor o interactuar con otras dimensiones espaciales.
Conclusión y aprendizajes
El proceso de creación de Intersecciones de Identidad ha sido un ejercicio invaluable de aprendizaje y adaptación. Descubrí cómo simplificar sin perder profundidad conceptual y cómo los elementos visuales, cuando se emplean con intención, pueden transmitir mensajes complejos. También aprendí a valorar el proceso como una oportunidad de descubrimiento, permitiéndome ajustar mi visión inicial para adaptarla a las circunstancias y recursos disponibles.
Aunque el proyecto logró capturar la esencia de mi idea inicial, siento que hay espacio para seguir desarrollándolo. Me encantaría explorar cómo esta obra podría evolucionar en un espacio más amplio, incorporar nuevas técnicas de sonido o incluso interactuar con el público de formas más directas. Espero vuestros comentarios para continuar mejorando y creciendo como artista.
Pública 
Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.