En nuestro proyecto artístico, nos embarcamos en un viaje de transformación, donde el arte se encuentra con la esencia de la vida cotidiana. Nuestra propuesta se centra en la reinvención de la madera desechada, otorgándole una nueva vida como base o lienzo para nuestra obra. Este enfoque no solo abraza la sostenibilidad, sino que también celebra la esencia elemental de la madera en la experiencia humana.
La madera, un elemento que a menudo pasa desapercibido en su función original, se convierte en el epicentro de nuestra expresión creativa. Al rescatar piezas de madera que han llegado al final de su utilidad convencional, damos un giro significativo a su destino. Aquí, la madera deja de ser un simple componente estructural para convertirse en la narrativa misma de nuestro arte.
La elección de la madera como lienzo no es casualidad. Es un acto de reconocimiento y homenaje a la relación profunda que los seres humanos han compartido con este material a lo largo de la historia. Desde la construcción de refugios hasta la creación de herramientas esenciales, la madera ha sido testigo y participante de la evolución de la humanidad. Al seleccionarla como nuestro lienzo, buscamos resaltar su versatilidad y su capacidad para contar historias.
La madera desechada se convierte en nuestra paleta, en la cual pintamos no solo con colores y formas, sino con la huella de su pasado. Las vetas y las marcas de desgaste se convierten en parte integral de nuestra creación, recordándonos la historia que cada pieza lleva consigo. Cada astilla y cada imperfección se convierten en elementos poéticos que contribuyen a la riqueza visual y conceptual de nuestra obra.
Este enfoque no solo nos desafía como artistas, sino que también invita al espectador a reflexionar sobre la naturaleza efímera de las cosas. ¿Cuántas veces pasamos por alto elementos esenciales en nuestra vida diaria, desechándolos sin considerar su potencial transformador? En este proyecto, no solo restauramos la madera, sino que también restauramos la apreciación por lo esencial y lo pasado por alto.
En última instancia, nuestro proyecto va más allá de la creación artística; es un acto de redefinición y renovación. La madera desechada, al recibir una nueva vida en nuestras manos, nos recuerda la posibilidad constante de reinventar, apreciar y encontrar belleza en lo que otros podrían considerar como insignificante. En cada trazo, en cada textura, estamos tejiendo una historia que va más allá de lo visual: una historia que resuena con la esencia misma de la existencia humana.
boceto (1)
uno de mis primeros bocetos consistía en laborar la representación del amor por el elemento de la madera, creando un dibujo de un ángel acogiendo la madera como otra forma de vida.
aludiendo a como la vida esta en todos los elementos que nos rodean y como agradecerles por su función, proporcionándonos un movimiento de conciencia al experimentar como todos aquellos elementos que an conformado parte de tu día a día hay que valorarlos.
Todos los bocetos a continuación, son de ideas esculturas interactivas que se me han venido a la mente durante mis paseos por el parque.
«El Camino de las Adivinanzas»
Esta obra consta de un sendero de tierra con losetas de piedra, encima de cada loseta consta de una adivinanza y de una pequeña pista con forma de dibujo.
«El Altar de la Madre Tierra»
Es muy común en países Asiáticos y Latinoamericanos el que las personas tengan pequeños altares en los que se ofrecen algunos alimentos, inciensos, dinero, etc.
A la naturaleza, es una forma de reconocer de dónde viene el sustento.
Nostra Pedra
Esta es una escultura muy especial ya que no consta de un único creador sino de cientos de creadores.
La idea de esta escultura consta de una roca de alrededor 2 metros con un cincel y un martillo para esculpirla, esta roca estará expuesta durante 2 años en el que los visitantes del parque podrán esculpir la roca como gusten.
El lugar que he escogido para completar la actividad de Hoja de ruta y cartografía es el parque Lineal de los Manzanares de Madrid.
Es un gran parque que llega hasta el centro de Madrid y consta tanto de una naturaleza viva y ecosistemas como de esculturas de arte repartidas a lo largo del parque.
Tiene tantas zonas diversas y que no sabría describir mi zona favorita cada vez que voy me acabo perdiendo y encontrándome con una nueva ladera o estructura que explorar.
Aquí os comparto algunos de los bocetos que he usado para completar parte de la actividad y que me ha inspirado a seguir investigando y descubriendo formas en este maravilloso parque.
En el dibujo del mapa encontramos barias zonas señalizadas, cuyas forma me han inspirado a ponerles un nombre.
Una de mis favoritas es la novia de los manzanares, una colosal escultura deManolo Valdés. Me recuerda inevitablemente a una novia con su velo observando desde la distancia a la multitud de personas.
Es una ruta interactiva llena de cosas curiosas y un entorno de Paz, de los cuales son muy escasos en Madrid, Entrar a este parque significa desconectar de los tus problemas para simplemente dejarte llevar por tu niña interior y descubrir experiencias nuevas.
«Como artista, mi enfoque explora la interconexión entre la naturaleza y la identidad humana, abordando temas de ecología y espiritualidad desde una perspectiva intimista. Mi trabajo se basa en una búsqueda constante de la luz como símbolo de sanación y conexión divina, trasladando el acto creativo a un espacio de introspección y reflexión. Mi intención es que cada obra no solo exprese una historia, sino que también genere un diálogo con el espectador, invitándolo a explorar sus propios vínculos con el entorno y consigo mismo. Mi práctica artística se fundamenta en el simbolismo modernista y en una aproximación sostenible, buscando utilizar materiales recuperados o de bajo impacto ambiental para crear obras cargadas de significado y conciencia ecológica.»
Breve Biografía
«Soy Judith, artista visual y estudiante de Bellas Artes con especial interés en la ecología y la introspección espiritual. Mi trayectoria incluye la participación en residencias y ferias de arte en distintos lugares, como Studio Kura en Japón, Hybrid Art Fair en Madrid, y Marte en Castellón. A lo largo de mi formación, he explorado diversas disciplinas artísticas, incluyendo pintura, videoarte y técnicas mixtas sobre madera reciclada. Mis proyectos recientes se enfocan en la subversión del formato tradicional en pintura y en una búsqueda simbólica de la luz como reflejo de la creación. Además, colaboro con la empresa Vinoartes, donde combino mi amor por el arte con la comunicación cultural.»
Resumen de cada propuesta
Propuesta 1: “Reflejos de Luz en la Naturaleza Urbana” «Esta propuesta explora la relación entre la naturaleza y el entorno urbano mediante una serie de obras pictóricas en madera reciclada, ubicadas en espacios públicos. Planeo Transmitir la luz divina como un símbolo de esperanza y sanación, creando una conexión entre el espectador y el entorno. Creando una conexión entre el espectador y el medio ambiente, intenté combinar estos elementos utilizando madera reciclada, creando obras luminosas que emergen del paisaje urbano, integrando personas y naturaleza. El proyecto se desarrollará en determinadas zonas de la ciudad, Una imagen que atraiga a los transeúntes a un espacio reflexivo.»
Propuesta 2: “Intersecciones de Identidad” «Este proyecto consiste en una serie de videoarte experimental, grabado en un entorno íntimo y reflexivo, donde se exploran las nociones de identidad y memoria mediante la superposición de imágenes corporales y elementos naturales. Aquí quería transmitir una historia introspectiva sobre la relación entre el cuerpo y uno mismo, tocando cuestiones de género y espiritualidad, mediante el uso de la edición. Inspirada en el videoarte de artistas como Bill Viola, la obra pretende fusionar el cuerpo con elementos naturales para simbolizar la fluidez de la identidad humana en constante transformación.
Imágenes ilustrativas
Propuesta 1:
“Reflejos de Luz en la Naturaleza Urbana”
Piezas de madera que formaban parte de una estructura, ahora desechada y transformada en la imagen del renacer de la luz como el ciclo de la vida en contante evolución.
Propuesta 2:
“Intersecciones de Identidad”
La exploración del genero e identidad, trabajado desde la edición y la experiencia de la cámara.
Comparativa
Ambas propuestas presentan temas de identidad y conexión, aunque expresados de maneras diferentes. La propuesta 1, “Reflejos de Luz en la Naturaleza Urbana”, muestra una profundidad en la intervención en el espacio público, proporcionando un atractivo de reflexión pública y la interacción entre el ser humano y la identidad de la naturaleza en un ambiente urbano. Su mayor ventaja es que asigna una relación directa a un espectador ocasional, pero al mismo tiempo plantea un desafío en la logística de colocar las obras en el espacio público. Por otro lado, la segunda propuesta “Intersecciones de identidad y memoria colectiva” expone el tema de manera más íntima y personal. A pesar de que logra proporcionar una profundidad en el tema del género e identidad, su enfoque del video arte y la intimidad narrativa plantean; por otro lado, su mayor ventaja es la simplicidad de los recursos y la reducción de la narrativa visual introspectiva, así como de los recursos. Sin embargo, al tener una limitación en espacio y recursos, no se permite mantener una calidad visual superior mientras digitalmente se interactúa con el espectador.
Mi punto de partida para este proyecto va a ser mi exposición de arte en Guayaquil, Ecuador, el origen de mi proyecto está en algunas obras que formaron parte de una feria de arte en Madrid llamada Hybrid 2024. Este entorno se ha convertido en un lugar potente para generar nuevas ideas. La elección de Guayaquil responde a múltiples factores, desde lo personal hasta lo profesional. Este ha sido un desafío emocionante tener la oportunidad de llevar mis obras a otro continente. Volar desde España, no solo implica el transporte de las obras de arte, sino la situación en la que se encuentre el lugar del extranjero.
En términos sociales, la exposición me ha generado la posibilidad de interactuar con los residentes del Ecuador, hacer entrevistas y promocionar mis obras en las redes sociales. El compromiso con las personas que asisten a la exposición ha sido importante para entender cómo se recibe el arte en este contexto sociocultural.
Desde un punto de vista sensorial, Guayaquil me ha permitido experimentar un ambiente cultural distinto. La calidez, el colorido de la ciudad y la energía del entorno han sido elementos que he absorbido en mi proceso creativo. Todo este marco ofrece una base sólida para seguir mi proyecto, permitiéndome desarrollar una obra que refleje no solo mi experiencia personal, sino también las dinámicas culturales y sociales del lugar.
Dimensiones: Aproximadamente 30 cm x 30 cm x 30 cm
Materiales: Plexiglás transparente, agua
Características técnicas: El cubo de plexiglás cerrado contiene una pequeña cantidad de agua que se evapora y condensa en las paredes del cubo debido a los cambios en la temperatura y la humedad del entorno en el que se instala. La obra es un sistema autosuficiente que varía constantemente según el ambiente.
Descripción del proyecto:
Condensation Cube de Hans Haacke (1963-1965) es una obra minimalista diseñada para ser exhibida en un interior donde se ubica un cubo de plexiglás transparente sellado herméticamente con una cantidad residual de agua. Con el tiempo, el agua en el cubo se evapora y por dentro de la estructura se condensa y se forma un ciclo de evaporación y condensación. Esto se debe a las variaciones en el medio ambiente en el que es colocado, lo cual hace que la obra esté en un proceso activo de cambio en el entorno en el cual se ha exhibido.
La obra muestra una relación de los fenómenos naturales con el espacio de exposición y propone al espectador pensar en ciclos naturales ocultos. Condensation Cube es una representación viva de los procesos climáticos y, a su vez, un desafío a las nociones tradicionales de la obra de arte como un objeto estático e inmutable. Es una obra que convierte el espacio expositivo en un conjunto de relaciones entre la naturaleza y el arte.
¿Qué es lo que afecta al artista?
Hans Haacke fue muy influenciado por su interés por los sistemas naturales y sus mecanismos ocultos que se dan en el mundo. Durante la década de 1960 el arte adquiere propuestas minimalistas y conceptuales, y en esa propuesta el inicio de crear sistemas capaces de desenvolverse en el entorno, independientes en su producción. Para Haacke, la idea de que una obra de arte pudiera estar viva y en constante transformación era revolucionaria, en contraposición a la idea tradicional de una obra de arte estática y definitiva.
Antes de que Haacke creará Condensation Cube, él ya estaba interesado en investigar los fenómenos naturales, y en cómo podían ser representados dentro de un marco artístico. Un cubo sellado de cristal se convirtió en la herramienta perfecta de envasado para capturar con precisión los ciclos de evaporación y condensación, haciendo que el contexto exterior (temperatura y humedad) afectará la obra. Lo que para Haacke el arte no solo debía ser visto sino que debía ser sentido como una repetición constante. Este sistema cerrado refleja su fascinación por la autorregulación de los ecosistemas y por cómo los factores externos (como el clima) pueden afectar el comportamiento de un sistema supuestamente aislado.
¿Qué afectó al artista?
Condensation Cube de Haacke tuvo un efecto en la forma en cómo se concebía el arte en los museos y galerías. Su obra iba directamente en contra de lo que debería ser una obra de arte, por llevar un sistema en movimiento que cambia según el tiempo y espacio. Haacke transformó no solo el área donde se presentaba la obra, sino también la conciencia de lo que veían y pensaban los espectadores y críticos.
El intercambio entre el cubo y el contexto hace que el espacio de exhibición sea un participante activo en el trabajo. El cubo no puede existir sin su entorno; la temperatura y la humedad dentro del lugar condensa agua dentro del cubo. Esto es lo que hace esta especie de diálogo constante entre el arte y el contexto y la obra se convierte en una representación de la naturaleza en un territorio finito y seleccionado del arte.
Por lo tanto, en un nivel conceptual, Haacke influyó en las discursivas acerca del rol del arte en la sociedad, ofreciendo una obra sin finalización ni una apariencia fija. Cada vez que se exhibe, Condensation Cube se transforma, lo que plantea preguntas sobre la permanencia, lo que genera cuestiones sobre la duración, la capacidad del arte para capturar procesos naturales. Asimismo, la obra también influyó en el movimiento minimalista, lo cual presentó una propuesta dinámica que se desviaba de la geometría pura estática y se incluye un ciclo vital.
Condensation Cube Acciones necesarias para Condensation Cube (en orden cronológico):
Concepción de la idea (1-2 semanas): Haacke define su enfoque en sistemas cerrados y procesos naturales como la evaporación y condensación.
Investigación de materiales (2 semanas): Selección de plexiglás como material adecuado y determinación de la cantidad de agua para el ciclo.
Diseño y bocetos (1 semana): Creación de planos y especificaciones para el cubo hermético.
Obtención de materiales (1 semana): Pedido de plexiglás y agua.
Construcción del cubo (1-2 semanas): Ensamblaje del cubo y pruebas de sellado.
Pruebas ambientales (1 semana): Evaluación del ciclo de condensación bajo diferentes condiciones.
Ajustes finales (1 semana): Ajustes al agua y verificaciones.
Instalación (1-2 semanas): Transporte e instalación en la galería, asegurando condiciones óptimas.
Documentación: Registro fotográfico y de vídeo del proceso y de la obra en la exhibición.
Mantenimiento: Monitoreo de la obra durante la exposición para asegurar su funcionamiento.
Inventario de necesidades técnicas, equipos, recursos y coste aproximado para Condensation Cube:
Materiales: Plexiglás (300€-500€), agua (10€).
Herramientas: Cortadora de plexiglás (100€-200€), adhesivo especial (30€-50€).
Documentación: Bocetos y planos (100€), permisos (100€-200€).
Recursos: Documentación fotográfica y videográfica (200€-500€), transporte (200€-300€).
Instalación: Supervisión y montaje (100€).
Coste total estimado: 1.040€.
Resultado:
El proyecto de Hans Haacke llamado Condensation Cube cambia radicalmente su contexto de visualización, convirtiéndose en un organismo que encarna procesos naturales desconocidos. Como es un sistema cerrado en el que se produce la evaporación y la condensación del agua, la obra activa la percepción del espectador sobre el ciclo del agua y los fenómenos ambientales que normalmente pasan desapercibidos. Esta interacción constante entre el cubo y su entorno desafía la idea tradicional de una obra de arte estática, creando un diálogo entre el arte y la naturaleza.
Cada vez que se instala, la temperatura y la humedad del espacio son diferentes, lo que hace que cada experiencia de los espectadores sea diferente. La obra se transforma en una entidad que observa su entorno y en cómo dicho entorno afecta la dinámica de la obra. La obra les permite a los visitantes pensar en las implicaciones que tiene su entorno físico en sus propias vidas, al mismo tiempo fomenta un criterio sobre arte, naturaleza y contexto social.
Condensation Cube remueve el espacio de exposición tradicional con el concepto de cambio y temporalidad. El espectador no solo observa una pieza de arte, sino que se convierte en parte de un proceso continuo. Mientras se interactúa con el entorno, la obra resalta el vínculo entre el arte y los ciclos cíclicos, lo visible y lo invisible, presente en cuanto a la forma de abordar tanto el arte como el volumen que lo aloja.
Técnica y soporte: Pintura acrílica sobre madera circular
Dimensiones: 30 cm de diámetro
Breve Descripción
«Las fuerzas de la creación» es una pieza que explora la dualidad y la conexión entre dos entidades mediante una composición simétrica y armoniosa. Con una selección de tonalidades oscuras y doradas, la obra transmite una atmósfera cargada de misterio y profundidad. Las figuras humanas representadas, dispuestas en posiciones opuestas, simbolizan la interdependencia y el poder creador que refleja cómo las fuerzas opuestas se complementan en la creación artística.
Propuesta de Exposición
Lugar o tipo de espacio: Exposición de Arte Contemporáneo.
Propuesta de Exposición
Lugar o tipo de espacio: Galería de Arte Contemporáneo
Descripción de las necesidades técnicas:
Para la exposición de «Las fuerzas de la creación«, se requiere una pared blanca y amplia que permita colgar la obra a la altura de los ojos del espectador, asegurando una visualización óptima desde diferentes ángulos. La pared debe ser lo suficientemente grande para acomodar la pieza sin que se sienta apretada, permitiendo al espectador apreciar todos los detalles y matices de la obra.
Además, es esencial contar con una iluminación dirigida y ajustable que resalte los colores y las texturas de la pintura. La iluminación jugará un papel crucial en la creación de la atmósfera adecuada, enfatizando el misticismo y la profundidad que caracterizan a la obra. Se utilizarán focos LED de alta calidad para garantizar una iluminación uniforme y precisa. Estos focos deberán estar colocados de manera estratégica para evitar sombras no deseadas y para resaltar las partes más significativas de la pintura.
Asimismo, se instalarán cortinas opacas en las ventanas cercanas para controlar la entrada de luz natural y evitar que interfiera con la iluminación artificial diseñada específicamente para la obra.
Duración: 3 meses
La duración de tres meses permitirá que un mayor número de visitantes tengan la oportunidad de interactuar y reflexionar sobre la obra. Este periodo extenso proporciona un tiempo adecuado para que el impacto emocional y conceptual de la pieza se asimile completamente. Durante estos tres meses, se organizarán visitas guiadas y charlas explicativas para profundizar en los temas y simbolismos presentes en «Las fuerzas de la creación«.
Además, se planificarán actividades interactivas como talleres de arte inspirados en la obra, donde los participantes podrán explorar su propia dualidad creativa. Estas actividades no sólo enriquecerán la experiencia del espectador, sino que también fomentarán una conexión más profunda entre el público y la obra. La inclusión de un libro de visitas permitirá a los espectadores dejar sus impresiones y reflexiones sobre la obra, generando un diálogo continuo y enriquecedor.
Relación con las Etapas del Proyecto
Semilla (Idea):
La idea inicial de «Las fuerzas de la creación» surgió de una profunda reflexión sobre la dualidad y la conexión intrínseca entre los elementos complementarios en la creación artística. Inspirada por la fascinante interacción de fuerzas opuestas y cómo estas se entrelazan para dar origen a nuevas formas y conceptos, esta obra busca capturar y transmitir la esencia de este proceso.
Desde sus primeras etapas, el proyecto se enfocó en explorar cómo dos seres, simbólicamente representados, pueden interactuar de manera armoniosa para generar un resultado que trasciende sus individualidades. La inspiración provino de diversas fuentes, incluyendo la naturaleza, la filosofía y el arte clásico, donde la dualidad y la complementariedad han sido temas recurrentes.
Un punto de partida clave fue la observación de fenómenos naturales como el día y la noche, el sol y la luna, y la interacción entre elementos aparentemente opuestos que, en su conjunción, crean un equilibrio perfecto. Esta observación llevó a una contemplación más profunda sobre cómo estos conceptos se reflejan en la experiencia humana y en el acto creativo.
La obra se fundamenta en la creencia de que la creación artística es un proceso dinámico y fluido, en el que las fuerzas opuestas no solo coexisten, sino que se nutren mutuamente para alcanzar una mayor plenitud. Este principio se materializa en la representación de dos figuras humanas, una mirando hacia arriba y otra hacia abajo, que simbolizan no solo la dualidad de la existencia, sino también el poder transformador de la interacción entre ambos polos
Camino (Contexto):
El proyecto «Las fuerzas de la creación» se desarrolla en el contexto de la abundante tradición del simbolismo, una corriente artística que persigue comunicar ideas y emociones mediante símbolos y metáforas visuales. Esta pieza toma como referencia la famosa «Hombre de Vitruvio» de Leonardo da Vinci, una representación icónica de la proporción y armonía del cuerpo humano. Sin embargo, en este caso se busca explorar la dualidad y conexión entre dos individuos a través de una nueva interpretación.
Para comprender el impacto y la importancia de este proyecto, es crucial tener en cuenta el contexto en el que fue desarrollado y presentado. La elección de una galería local enfocada en el arte simbólico y conceptual no es fortuita. En este lugar se puede entablar una conversación directa con un grupo de personas que valora y desea profundizar en las múltiples interpretaciones que el arte puede brindar. Al presentar la obra en un entorno que aprecia el análisis personal y la interpretación, se garantiza una recepción más abierta y comprometida.
En adición, la galería local sirve como un medio de conexión entre el artista y la comunidad, propiciando una interacción íntima y cercana. En este espacio, los visitantes tienen la oportunidad de sumergirse en la atmósfera producida por la obra y participar activamente en la interpretación de sus símbolos y mensajes. Al estar cerca del espacio expositivo, se fortalece el sentimiento de pertenencia y conexión tanto con el artista como con la obra en sí.
Básicamente, entender y apreciar «Fusión de Esencias» depende en gran medida del contexto en el que se desarrolla y se presenta la obra. El proyecto se une a la tradición del simbolismo y elige un espacio de exposición que aprecia y fomenta el arte conceptual, logrando así establecer una conexión profunda y significativa con su audiencia. De esta manera, invita a los espectadores a explorar las complejas interacciones entre las fuerzas complementarias que definen nuestra vida.
Símbolo (Metodología):
El enfoque de la metodología se pone en símbolos visuales y técnicas artísticas meticulosamente elegidas para comunicar el concepto de dualidad y conexión. La paleta de colores específica se compone de tonos como azul oscuro, blanco, negro y dorado. Cada uno de estos colores tiene su propio significado simbólico y ayuda a crear la atmósfera general de la obra.
Azul oscuro: Simboliza la profundidad, la reflexión interna y lo misterioso. Este es un color que inspira a la reflexión y a examinarse a uno mismo.
Blanco: Representa la pureza, la transparencia y las posibilidades ilimitadas. Además de esto, en el marco de esta obra se plantea la opción de generar nuevas creaciones y mezclar las ideas entre sí.
Negro: Despierta la curiosidad y el poder escondido. El color brinda contraste y resalta la relevancia de las sombras en la dualidad.
Dorado: Simboliza la luminosidad, la fuerza y lo espiritual. Agrega un elemento de misticismo y eleva la obra a un nivel simbólico superior.
La metodología también considera que la simetría en la composición es un componente crucial. Además de generar una sensación de equilibrio y armonía visual, la simetría refuerza el tema central de la interdependencia entre fuerzas opuestas. Las figuras humanas, colocadas en una disposición simétrica donde una mira hacia arriba y la otra hacia abajo, representan la dualidad y la conexión innata entre dos entidades que se completan entre sí.
Asimismo, la elección de un soporte redondo para la obra enfatiza el concepto de integridad y cohesión. La obra adquiere un significado adicional gracias al círculo, considerado universalmente como símbolo de perfección y eternidad.
Al combinar una paleta de colores evocadores, una composición simétrica y el uso de formas simbólicas, esta metodología logra transmitir efectivamente su mensaje sobre el equilibrio y la interdependencia en la creación artística.
Hechizo (Formalización o Materialización):
El encantamiento llamado «Las fuerzas de la creación» tiene el propósito de convertir una idea abstracta en una creación artística concreta. La obra utiliza técnicas de pintura acrílica, aplicadas en una superficie previamente preparada que consiste en una base circular de madera. El efecto visual de equilibrio e interdependencia se crea gracias a la combinación de colores en tonos oscuros como el azul, el blanco y el negro, junto con destellos dorados. Asimismo, las dos figuras humanas simétricas contribuyen a dicho efecto.
Gracias a la iluminación del sistema, se realzan los contrastes y se agrega profundidad a la pieza. Además, las críticas constructivas recibidas durante el desarrollo del proyecto fueron fundamentales para lograr refinamientos significativos. La obra en su versión final logra capturar la esencia de la dualidad y la conexión, lo cual invita al espectador a contemplar y reflexionar acerca de estas fuerzas complementarias.
Espejo (Evaluación o Reflexión Crítica):
La crítica reflexiva respaldada por la evaluación de terceros ha desempeñado un papel crucial en el ajuste de los detalles y en la mejora de la claridad del mensaje en «Las fuerzas de la creación«. Los compañeros dieron opiniones que resaltaban aspectos importantes en la obra, como la representación de las figuras y la elección de colores, lo cual permitió hacer mejoras significativas..
Conclusión
En resumen, el proyecto «Las fuerzas de la creación» se ha llevado a cabo con éxito y nos ha brindado la oportunidad de explorar y materializar conceptos profundos mediante expresiones artísticas. El diseño del curso y la retroalimentación de los compañeros ha sido crucial para lograr un resultado positivo y valioso. Se ha notado una mejora en la precisión de la representación y elección de colores gracias a las opiniones y críticas recibidas, lo cual logra que el mensaje de dualidad y equilibrio sea claro y tenga un impacto significativo.
La obra final muestra una armoniosa dualidad, incitando al espectador a reflexionar profundamente sobre las fuerzas complementarias involucradas en la creación artística. Además de desarrollar habilidades técnicas y conceptuales, este proyecto me ha permitido comprender mejor cómo el arte tiene la capacidad de transmitir ideas complejas y emocionales de manera efectiva. La experiencia ha sido muy valiosa, y los conocimientos adquiridos serán fundamentales para proyectos artísticos en el futuro.
En la creación de estas obras, me propuse explorar la intrincada relación entre la naturaleza y nuestras acciones diarias. Comencé con la representación de un árbol elaborado meticulosamente con monedas, simbolizando la conexión entre la prosperidad económica y la salud del medio ambiente.
Avanzando en mi expresión artística, me sumergí en el interior de una concha, donde renace otro árbol, esta vez un cerezo. La elección de la concha como lienzo no es casual; es un recordatorio de la interconexión entre la vida marina y la flora terrestre. La imagen de un cerezo en flor se integra con un cielo nocturno en la concha superior, tejiendo una historia de ciclos naturales y armonía.
La tercera obra, una fortaleza construida con pañuelos, va más allá de la mera estética visual. Esta caja de pañuelos, dispuesta como un castillo, pretende ser más que una representación artística; es una declaración sobre la importancia del papel en nuestra sociedad. A través de esta estructura, reflexionamos sobre el uso responsable de recursos y abogamos por prácticas más sostenibles, fusionando la creatividad con un mensaje eco consciente.
1: Cada moneda cuenta
2: Dentro de ti
Rama rosa
Estrellas de nacar
Dentro de ti:
3: Fortaleza de papel
Expandir la superficie de un dibujo
En mi incursión en los «Ejercicios de expandir la superficie de un dibujo», decidí aventurarme por terrenos poco convencionales, explorando la fusión única de la cerámica de la cocina, la lana y elementos efímeros para expandir los límites del arte.
Mi primera exploración implicó darle vida a la cerámica de la cocina, transformándola en un cubo que se convirtió en un lienzo tridimensional. Cada cara del cubo manifestaba un lado secreto de mi ser, añadiendo una capa de profundidad emocional a este ejercicio. La cerámica, con su tacto singular y su durabilidad, sirvió como medio expresivo, llevando la esencia de mi identidad a un nuevo nivel de materialidad.
En mi búsqueda de texturas y dimensiones, me sumergí en el mundo de la lana y las rejillas. Utilizando estos materiales aparentemente simples, creé un paisaje que captura la esencia de la naturaleza. La lana, con sus fibras suaves y la rejilla, con su estructura entrelazada, se convirtieron en vehículos para explorar la relación entre la simplicidad y la complejidad en la creación artística.
Mi experimentación no se detuvo ahí; me aventuré a lo efímero al crear un dibujo de un árbol utilizando agua sobre una superficie de madera. Este acto fugaz permitió que la imagen se manifestara brevemente antes de evaporarse, dejando la madera en su estado original. Esta efemeridad no solo añadió un componente temporal a la obra, sino que también resaltó la impermanencia de la creación artística.
Cada elección de material y técnica en estos ejercicios fue guiada por el deseo de ir más allá de los métodos tradicionales y explorar las posibilidades infinitas del arte. La cerámica, la lana, la rejilla y el agua se convirtieron en herramientas que no solo ampliaron la superficie de mis dibujos, sino que también enriquecieron el significado y la experiencia de cada obra. Esta aventura artística es un recordatorio de que el arte, en su esencia, es una búsqueda constante de innovación y autenticidad.
1 VI caras:
2 Montañas de cuerdas:
3 trazo efímero:
Ejercicios de Interactúa con el dibujo.
En el fascinante viaje de los «Interactúa con el dibujo», opté por adentrarme en la exploración de la forma humana, elevando la expresión artística a través de la proyección de sombras. Este enfoque particular surge de la sensibilidad de mi piel, que, siendo tan receptiva, no se lleva bien con los químicos presentes en las pinturas convencionales.
En lugar de limitarme a la tradicionalidad de los pinceles y pigmentos, decidí sumergirme en el juego de luces y sombras utilizando un proyector. La interacción de la luz con mi figura humana se convierte en un lienzo dinámico, dando lugar a un espectáculo visual que trasciende las limitaciones de los medios convencionales.
La elección de proyectar sombras no solo es una solución práctica, dada mi sensibilidad cutánea, sino también una declaración artística. Las sombras, a menudo subestimadas, revelan una dimensión nueva y cautivadora de la forma humana. Cada contorno proyectado se convierte en una línea que danza en la frontera entre la realidad y la imaginación.
Al emplear esta técnica, desafío las restricciones convencionales del arte y abrazo la innovación. La proyección de sombras se convierte en mi paleta, cada cambio de luz, una nueva pincelada que da vida a mi expresión. Es un diálogo entre lo tangible y lo efímero, entre la presencia física y la representación fugaz.
1 Un sol transparente:
En este ejercicio explore la versatilidad del mundo de las sombras, y cómo ellas pueden dar vida a un paisaje.
2 Desconocida:
En esta parte jugué con las sombras que proyectaban mi propia forma, descubriendo interesantes composiciones y encuadres.
3 Conocida:
Aquí inverti los roles usando mi cuerpo como lienzo para que la luz y los colores se proyectaran en mí, creando una composición muy interesante.
Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.