Dibujo expandido, entrega parcial 1

En nuestro proyecto artístico, nos embarcamos en un viaje de transformación, donde el arte se encuentra con la esencia de la vida cotidiana. Nuestra propuesta se centra en la reinvención de la madera desechada, otorgándole una nueva vida como base o lienzo para nuestra obra. Este enfoque no solo abraza la sostenibilidad, sino que también celebra la esencia elemental de la madera en la experiencia humana.

La madera, un elemento que a menudo pasa desapercibido en su función original, se convierte en el epicentro de nuestra expresión creativa. Al rescatar piezas de madera que han llegado al final de su utilidad convencional, damos un giro significativo a su destino. Aquí, la madera deja de ser un simple componente estructural para convertirse en la narrativa misma de nuestro arte.

La elección de la madera como lienzo no es casualidad. Es un acto de reconocimiento y homenaje a la relación profunda que los seres humanos han compartido con este material a lo largo de la historia. Desde la construcción de refugios hasta la creación de herramientas esenciales, la madera ha sido testigo y participante de la evolución de la humanidad. Al seleccionarla como nuestro lienzo, buscamos resaltar su versatilidad y su capacidad para contar historias.

La madera desechada se convierte en nuestra paleta, en la cual pintamos no solo con colores y formas, sino con la huella de su pasado. Las vetas y las marcas de desgaste se convierten en parte integral de nuestra creación, recordándonos la historia que cada pieza lleva consigo. Cada astilla y cada imperfección se convierten en elementos poéticos que contribuyen a la riqueza visual y conceptual de nuestra obra.

Este enfoque no solo nos desafía como artistas, sino que también invita al espectador a reflexionar sobre la naturaleza efímera de las cosas. ¿Cuántas veces pasamos por alto elementos esenciales en nuestra vida diaria, desechándolos sin considerar su potencial transformador? En este proyecto, no solo restauramos la madera, sino que también restauramos la apreciación por lo esencial y lo pasado por alto.

En última instancia, nuestro proyecto va más allá de la creación artística; es un acto de redefinición y renovación. La madera desechada, al recibir una nueva vida en nuestras manos, nos recuerda la posibilidad constante de reinventar, apreciar y encontrar belleza en lo que otros podrían considerar como insignificante. En cada trazo, en cada textura, estamos tejiendo una historia que va más allá de lo visual: una historia que resuena con la esencia misma de la existencia humana.

boceto (1)

 

uno de mis primeros bocetos consistía en laborar la representación del amor por el elemento de la madera, creando un dibujo de un ángel acogiendo la madera como otra forma  de vida.

aludiendo a como la vida esta en todos los elementos que nos rodean y como agradecerles por su función, proporcionándonos un movimiento de conciencia al experimentar como todos aquellos elementos que an conformado parte de tu día a día hay que valorarlos.

PEC 3: Hoja de ruta. Bocetos

Experiencias Interactivas:

Todos los bocetos a continuación, son de ideas esculturas interactivas que se me han venido a la mente durante mis paseos por el parque.

 

«El Camino de las Adivinanzas»

Esta obra consta de un sendero de tierra con losetas de piedra, encima de cada loseta consta de una adivinanza y de una pequeña pista con forma de dibujo.

 

«El Altar de la Madre Tierra»

 

Es muy común en países Asiáticos y Latinoamericanos el que las personas tengan pequeños altares  en los que se ofrecen algunos alimentos, inciensos, dinero, etc. 

A la naturaleza, es una forma de reconocer de dónde viene el sustento.

Nostra Pedra

 

Esta es una escultura muy especial ya que no consta de un único creador sino de cientos de creadores. 

La idea de esta escultura consta de una roca de alrededor 2 metros con un cincel y un martillo para esculpirla, esta roca estará  expuesta durante 2 años en el que los visitantes del parque podrán esculpir la roca como gusten. 

 

PEC 3: Hoja de ruta. Cartografía.

El lugar que he escogido para completar la actividad de Hoja de ruta y cartografía es el parque Lineal de los Manzanares de Madrid.

Es un gran parque que llega hasta el centro de Madrid y consta tanto de una naturaleza viva y ecosistemas como de esculturas de arte repartidas a lo largo del parque.

Tiene tantas zonas diversas y que no sabría describir mi zona favorita cada vez que voy me acabo perdiendo y encontrándome con una nueva ladera o estructura que explorar.

 

Aquí os comparto algunos de los bocetos que he usado para completar parte de la actividad y que me ha inspirado a seguir investigando y descubriendo formas en este maravilloso parque.

En el dibujo del mapa encontramos barias zonas señalizadas, cuyas  forma me han inspirado a ponerles un nombre.

Una de mis favoritas es la novia de los manzanares, una colosal escultura de Manolo Valdés. Me recuerda inevitablemente a una novia con su velo observando desde la distancia a la multitud de personas.

Es una ruta interactiva llena de cosas curiosas y un entorno de Paz, de los cuales son muy escasos en Madrid, Entrar a este parque significa desconectar de los tus problemas para simplemente dejarte llevar por tu niña interior y descubrir experiencias nuevas.

Bitácora. Reto 3. Saltar al vacío

 

 

 

 

Texto de presentación :
Mi proyecto, «Manifestaciones de la Conciencia: Diario de un Proceso Creativo», documenta la creación de una obra artística en madera que explora la conexión entre materialidad, espiritualidad y comunidad.

La bitácora servirá como:

  1. Registro del proceso: Desde la selección de materiales (maderas, pigmentos naturales) hasta las etapas de pintura y técnicas mixtas.
  2. Reflexión conceptual: Análisis de cómo el color y la textura (inspirados en la psicología del arte) generan experiencias introspectivas.
  3. Preparación del taller comunitario: Notas sobre dinámicas planeadas para el taller «El Arte como Manifestación de la Conciencia».

Metodología simplificada:

  • Materiales accesibles: Uso de acrílicos, maderas recicladas y objetos cotidianos para técnicas mixtas.
  • Registro diario: Fotos del progreso de la obra + anotaciones breves (ej: «Día 3: La veta de la madera guió el trazo intuitivo del pincel, evocando flujos de agua»).
  • Documentación del taller: Entrevista breve a un participante (ficha incluida) y fotos de las creaciones colectivas.

Link Drive: Bitácora 

RETO 2.1 Actividad Flash de Interpretación

Hola, compañeros

Para este reto de reinterpretación he elegido la pieza de One and Three Chairs (Una y tres sillas) de Joseph Kosuth

One and Three Chairs (Una y tres sillas)

Joseph Kosuth

  • Toledo , Ohio, EE.UU., 1945
  • Fecha:  1965
  • Técnica descriptiva:  Obra formada por una silla de madera, la fotografía de la silla y ampliación fotográfica de la definición de la voz «silla» en el diccionario
  • Dimensiones:  Pieza derecha: 52 x 80 cm / Pieza izquierda: 110 x 60 cm / Pieza central: 81 x 40 x 51 cm
  • Categoría: Escultura
  • Año de ingreso: 2000

Descripción de la obra:

Joseph Kosuth hizo One and Three Chairs como su obra de arte conceptual durante 1965. La obra de arte muestra tres componentes que comprenden una silla física, así como su imagen y una letra grande de una entrada de diccionario para «silla». A través de esta estructura de tres partes, el espectador participa en una meditación sobre cómo los objetos se conectan tanto con imágenes visuales como con definiciones lingüísticas. El concepto artístico rechaza las prácticas artísticas convencionales porque enfatiza las ideas sobre los elementos físicos.

Contexto histórico y conceptual:

A través de este trabajo conceptual, el artista reaccionó a la formalización artística mientras luchaba contra la explotación del mercado del arte durante el movimiento de arte conceptual de la década de 1960. Como uno de los principales artistas conceptuales, Kosuth trabajó para eliminar la naturaleza física del arte presentando ideas y sistemas intelectuales en lugar de obras de arte tangibles. A través de Uno y Tres Cátedras, Kosuth investiga el impacto de las representaciones textuales y las visualizaciones de imágenes en la comprensión de la realidad mientras investiga qué constituye el arte y cómo se comporta como comunicación.

Interpretación de la obra:

La atmósfera cultural explosiva de la década de 1960 produjo una y tres sillas como un evento esencial en el desarrollo del arte conceptual. La obra de arte de Kosuth va más allá de los elementos físicos porque selecciona artículos cotidianos (silla junto con fotografía y texto) para construir una pieza que se centre en una idea. A través de esta pieza, el artista investiga tanto los significados artísticos como los poderes del lenguaje y las imágenes para transformar nuestra comprensión de la realidad.

Kosuth describió «el arte como la definición del arte» a través de esta obra de arte que presenta claramente su filosofía artística. A través de su disposición de una silla con foto y texto, Kosuth anima a los espectadores a entender cómo se conectan estos elementos entre sí. El significado singular de esta pieza elude la definición, ya que los espectadores la interpretarán de acuerdo con sus perspectivas individuales.

 

Enlace al artículo y documentación de la obra:

enlace Reina Sofia
enlace artforum

Mi re-interpretación:

Enlacen video:

IMG_3932

FICHA TÉCNICA:

Autor:  Judith Peris Gatell

Título: One and Three Chairs

Año: 2025

Técnica: video.mov, color, sonido

Duración: 2min 09seg

Justificación conceptual:

La estructura conceptual de Una y Tres Sillas sigue siendo la misma en mi adaptación contemporánea, pero introduje modificaciones importantes para adaptarse a las perspectivas modernas. Mi trabajo emplea una imagen digital en mi iPad de la definición textual y histórica de la silla, mientras que la imagen una  silla es proyectada en la pared en lugar de la fotografía original. La obra de arte incluirá tres etapas: primero grabare los tres objetos, la silla la proyección y la definición , luego me sentaré en la silla y a través de la lectura de la definición que leeré en el iPad interactuare con el proyecto.

Estas modificaciones introducirán elementos interactivos y cualidades basadas en el tiempo para establecer cómo las implementaciones tecnológicas y las técnicas de rendimiento transforman las ideas abstractas en presentaciones dinámicas. A través de esta nueva interpretación, el proyecto sondeará nuestra relación de la era moderna con los objetos, así como con las imágenes y el lenguaje debido a las herramientas digitales y las plataformas de redes sociales.

Esta sencilla obra de arte titulada One and Three Chairs contiene investigaciones profundas tanto sobre la naturaleza artística como sobre los mecanismos de observación humana. Con el fin de revitalizar el enfoque conceptual de Kosuth, redefiniré la pieza para nuestro moderno mundo virtual tecnológico. A través de este trabajo obtuve un conocimiento más sólido sobre la pieza original y desarrollé una comprensión más profunda de su importancia durante los tiempos actuales.

Bibliografía:

Kosuth, J. (1965). One and Three Chairs [Installation].

Artforum. (n.d.). Art as Idea: Joseph Kosuth and Conceptual Art.

Baigorri Ballarín, L. (s/f). Los inicios del vídeo de creación. Recurso UOC.PID

 

 

RETO 1 Actividad flash de presentación

 

 

 

 

Presentación a través de una Performance: «The Artist is Present» de Marina Abramović

Artista: Marina Abramović
Título de la acción: The Artist is Present
Año: 2010
Tema abordado: Presencia, conexión humana y espiritualidad en el arte de la performance.
Enlace para visualizarla:Marina & Ulay @ MoMA (The Artist is Present)YouTube · Isidora Smiljkovic2 nov 2012

 

Descripción de la performance

The Artist is Present mostró a Marina Abramović sentada en silencio en el atrio del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) durante tres meses, mientras que una persona a la vez se sentaba frente a ella para permitir experiencias visuales compartidas. A través de la completa abstención del diálogo y el toque corporal, el espectáculo expuso tanto la esencia de estar presente como las capacidades máximas de comprensión del lenguaje de señas. Durante los encuentros, numerosos participantes sintieron fuertes sentimientos que llevaron a episodios de llanto o a una profunda contemplación.

 

Motivación para elegir esta performance

Mi selección de esta actuación se origina en su exploración de los lazos humanos espirituales y las experiencias de buceo actuales a través del compromiso facial. La acción de rendimiento directa utilizada por Abramović crea una resonancia emocional abrumadora. La actuación muestra la importancia del contacto visual como un método irred de comprensión entre las personas y esta visión impulsa mi enfoque artístico para estudiar la atención plena mientras exploro las relaciones humanas en sus niveles emocionales y espirituales más profundos.

 

Análisis del cuerpo, el espacio y la temporalidad

Abramović pone el enfoque esencial en su cuerpo mientras se mantiene inmóvil, lo que desestabiliza las actuaciones comunes que dependen del movimiento como elemento clave. Abramović somete a los visitantes a un espacio de atrio controlado del MoMA mientras redisea continuamente la dinámica artista-audiencia. El tiempo juega un papel crítico porque el rendimiento diario extendido ocurre a lo largo de los meses y crea experiencias de agotamiento físico y mental.

 

Rol de los objetos y reacción del público

La actuación carece de elementos materiales que Abramović suele utilizar en sus proyectos porque solo el artista y el espectador existen como entidades físicas. Seguir adelante sin influencias externas revela que la relación semiótica entre el intérprete y el espectador se iba fundamentalmente en la comunicación entre los cuerpos y los apegos emocionales del momento. Los miembros de la audiencia demostraron diferentes reacciones emocionales durante el encuentro silencioso porque algunas personas permanecieron tranquilas, pero otras comenzaron a llorar y algunos espectadores se sintieron incómodos debido a la proximidad.